Le Paris coloré du 19e siècle

Imagine-toi dans les rues de Paris il y a plus de 100 ans. Les murs, les kiosques et même les colonnes Morris sont recouvertes d'affiches colorées. Elles sont partout, même sur les êtres humains qui deviennent des hommes sandwichs ! Le plus souvent, les affiches attirent l’œil des passants pour faire la promotion de spectacles, de cabarets, de produits et même de sports à la mode. Ce sont les débuts de la société de consommation. 

Les artistes, stars de l’affiche

Dans cette exposition, tu vas rencontrer les « Maîtres de l’affiche », des artistes qui donnent une véritable dimension artistique aux affiches qu’ils dessinent. Parmi eux, tu feras la connaissance de Jules Chéret, surnommé « le roi de l’affiche » dans la presse, mais aussi Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard, Alphonse Mucha, ou encore Alexandre Steinlen, qui étaient tous des artistes très importants de leur époque. Avec près de 300 œuvres exposées, l’exposition te fera découvrir comment l’affiche est devenue un véritable art accessible à tous.

La rue, le lieu des revendications politiques

Au 19e siècle, la rue n’est pas seulement un espace de circulation, elle devient aussi le théâtre des débats et des luttes sociales. Les affiches jouent un rôle clé dans ce bouillonnement d’idées : elles servent à exprimer des opinions politiques, à défendre des causes sociales ou à promouvoir des journaux. Elles sont le reflet des tensions et des espoirs d’une époque en pleine mutation.
À la fin du 19e siècle, Paris est littéralement recouvert de ces messages : on estime qu’environ 1,5 million d’affiches sont collées chaque année dans la capitale. En période électorale, ce chiffre explose, avec près de 800 000 affiches supplémentaires qui envahissent les murs.
Alors, prêt à voyager dans le temps et à explorer l’âge d’or de l’affiche artistique ? Rendez-vous au musée d’Orsay pour une aventure haute en couleurs !

Le flou, un univers vraiment pas net

Du 30 avril au 18 août 2025, le musée de l’Orangerie, te propose une exposition fascinante : Dans le Flou, une autre vision de l’art de 1945 à nos jours. Elle présente des œuvres où les formes et les couleurs ne sont pas toujours nettes. Parmi elles, les Nymphéas de Claude Monet, de grandes peintures remplies d’eau et de fleurs, semblent flotter dans une douceur trouble. Après la Seconde Guerre mondiale, les artistes ont utilisé le flou pour exprimer un monde incertain, plein de questions.

Le flou, une manière de voir

Le flou est une vraie idée artistique. Par exemple, Hans Hartung, avec son œuvre T1982-H31, a peint des traits et des couleurs qui dansent sans tout expliquer. Le parcours de l’exposition est organisé en plusieurs étapes : une partie explore les limites de ce qu’on peut voir, une autre parle des doutes, et une dernière célèbre ce qui n’est pas précis. Peintures, vidéos et photographies se mélangent pour te faire réfléchir et imaginer ce que chaque œuvre raconte.

Le flou, une façon d’enchanter le monde

Surtout, l’exposition révèle que le flou peut rendre le monde plus poétique. Les artistes te suggèrent qu’il n’est pas nécessaire de tout comprendre pour apprécier la beauté. Une œuvre de Mircea Cantor porte une phrase mystérieuse : unpredicteble future, qui parle d’un avenir imprévisible. Tu commenceras par des tableaux du passé, comme ceux de Monet, avant de découvrir des créations plus récentes. 

Viens explorer cette exposition au musée de l’Orangerie et laisse tes yeux voyager dans l’art flou !
 

En route pour la Norvège à la découverte du peintre norvégien Christian Krohg

À travers cette exposition, la première de l’artiste en France, tu pourras explorer son regard unique sur le quotidien des marins et de leurs familles, sur son cercle d’amis, essentiellement des artistes et des écrivains, et sur les personnes les plus fragiles de la société.

Christian Krohg s’intéressait aux gens simples : il peignait les pêcheurs luttant contre la mer, les familles réunies chez elles ou encore ceux confrontés à la pauvreté. Avec son pinceau, il voulait montrer la réalité de leur existence et susciter l’émotion chez ceux qui regardaient ses tableaux. Son art, à la fois engagé et sensible, reflète son profond attachement aux personnes qu’il représentait.

Influencé par les peintres français comme Manet et les impressionnistes, Krohg utilisait des cadrages originaux qui donnent l’impression d’être plongé au cœur de la scène. Il peignait aussi sa propre famille avec tendresse, capturant des instants de vie empreints de douceur. À travers cette exposition, tu découvriras un artiste qui, par la peinture, cherchait à faire comprendre le monde qui l’entourait et à éveiller l’intérêt du public pour des causes sociales. 

Au musée d’Orsay, du 25 mars au 27 juillet 2025

Heinz Berggruen, était un marchand d'art et collectionneur  passionné. Tu verras notamment dans cette exposition des œuvres de grands maîtres du XXe siècle, tels que Pablo Picasso, Paul Klee, Henri Matisse et Alberto Giacometti.

Né dans une famille juive à Berlin en 1914, Heinz Berggruen s’exile aux États-Unis en 1936 avec dix marks en poche. D’abord orienté vers des études littéraires, il découvre le monde de l’art au Museum of Modern Art de San Francisco. Il rentre finalement en Europe au lendemain de la Seconde Guerre mondiale et ouvre à Paris sa première galerie en 1947.

Le parcours de l'exposition montre les goûts personnels et les choix de Heinz Berggruen. Outre les œuvres importantes de Picasso et de Klee, tu pourras aussi admirer les remarquables papiers découpés de Matisse et les sculptures élancées de Giacometti.

Cette présentation te permettra de comprendre comment se constitue une collection d'art, comment les rencontres et les affinités d'un collectionneur guident ses acquisitions au fil du temps.

C’est aussi l’occasion de redécouvrir une autre collection, la collection Walter-Guillaume, déjà présente au musée de l'Orangerie. Elle t'offrira ainsi une perspective enrichissante sur l'art moderne et le marché de l'art parisien de la seconde moitié du XXe siècle.